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| Amélie Chabannes : j’aime divaguer d’une technique à l’autre |
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| Entretien avec Anne Kieffer |
A. K. : Pourquoi avoir choisi la filière de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, section art et espace, plutôt que les Beaux-Arts ?
A. C. : D’abord parce que j’avais peur des Beaux-Arts, peur de devenir une sorte de " chair à galeries ". Les Arts Appliqués m’ont permis de passer d’un atelier à l’autre : animation, photo, vidéo, sérigraphie, architecture… Dans le bâtiment de la manufacture des œillets à Ivry où j’étais, j’ai appris beaucoup de langages différents et j’ai pu dépasser la pensée unique que je craignais de rencontrer aux Beaux-Arts. Il est vrai que la section " art et espace " des Arts Déco n’a pas tenu les promesses de son nom, mais malgré cet échec j’ai été confortée dans l’idée que j’avais réellement envie de ça. Je me sens en effet assez " urbaine " et je regrette un véritable vide pour tout ce qui concerne l’intégration de l’art dans la ville. Les artistes qui cherchent à combler ce vide sont ceux qui m’intéressent le plus. J’ai été fascinée par l’art-graffiti, en tout cas celui des artistes inconnus, qui dessinaient sauvagement la nuit autour des terrains vagues. Je les ai souvent regardé travailler, m’intéressant surtout à ceux qui avaient visiblement le souci de réveiller un espace, qui cherchaient à répondre à un manque. D’une manière générale, je me suis toujours mieux sentie dans trois dimensions que dans deux et je me suis demandée comment je pouvais répondre aux carences de tel ou tel lieu sans faire comme les titulaires des commandes " 1 % " des années 70, qui ne faisaient guère qu’ajouter une note plus ou moins " décorative " à une architecture. Je me suis franchement tournée vers le Land art, véritable défi lancé aux galeries et aux institutions. Je n’ai rien contre ces dernières, sinon que ce sont des lieux clos, et ce qui me faisait rêver, c’était par exemple telle grande réalisation dans le désert de l’Arizona.
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 Alélie Chabannes, Cocours international de Verdun, juillet 2000. |
A. K. : Comment rêveriez-vous de voir présentée la globalité de votre travail sur " l’œuvre et sa biographie ", propre au Land art ? Peut-on imaginer un livre ? Une installation en galerie ?
A. C. : J’aime le Land art, mais je n’aime pas que ça ! Mon travail a différents aspects et je ne souhaite pas être cataloguée dans une catégorie trop précise. J’aime passer d’un environnement artistique à un autre : aller du monumental en extérieur à des objets de petites proportions comme un livre par exemple. L’aspect biographique de mon travail a beaucoup d’importance aussi. J’ai envie de tout explorer, utiliser différents types de vocabulaire. Les artistes que j’admire ont réussi cela. Quant à l’installation en galerie, elle serait tout à fait possible s’il s’agit d’une œuvre entourée de photos témoins, des notes et cadastres que je réalise en fonction des projets.
A. K. : Quels sont les artistes (référents, mythiques) qui vous ont le plus touchée ?
A. C. : J’ai une passion pour Max Ernst depuis que je suis toute petite : voilà l’artiste qui parvient à passer d’un langage à l’autre. Il y a aussi Louise Bourgeois pour les mêmes raisons et aussi l’aspect autobiographique de son œuvre. Parmi les artistes des générations suivantes, Annette Messager m’intéresse pour son humour, sa dérision et le renouvellement incessant de son langage ainsi que Sophie Calle. Quant aux artistes du Land art, je retiens surtout Walter De Maria, Gordon Matta Clark qui a travaillé sur les ouvertures dans l’architecture, la géométrie et la lumière, et James Turell qui a lui aussi travaillé sur les phénomènes lumineux. J’aime encore beaucoup les chantiers de Tadashi Kawamata. Si j’ajoute que je m’intéresse aux photographes, vous voyez que je n’ai guère de rejets, si l’on excepte évidemment, par exemple, les choses du genre de celles qu’un certain Strebelle a installées place Vendôme l’été dernier… Je suis très ouverte dès que ça a du sens.
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 Alélie Chabannes, Cocours international de Verdun, juillet 2000. |
A. K. : Pourquoi avoir choisi le support de l’arbre mort pour ensuite le pétrifier ? Quel sens donnez-vous à ce travail ? Serait-ce une sorte de réflexion sur la renaissance après la mort ou autre chose ? Parlez-nous de votre installation éphémère sur une plage de l’île de Ré. A quoi correspond cette " mise en échec volontaire " dont vous avez parlé ?
A. C. : Au moment de mon travail en équipe avec C. Bendotti et une mécène, il y avait dans la maison de l’île de Ré un très grand arbre mort. La maison avait été construite et " mise en ordre " autour de cet arbre. Je me suis alors concentrée sur l’objet après avoir pensé au traitement de l’espace. Parallèlement, j’ai été personnellement confrontée au deuil, à la renaissance, à l’abandon, aux tabous sur la mort. C’est vrai que beaucoup d’artistes abordent eux aussi ce thème : j’ai voulu quant à moi recréer la pratique culturelle qui consiste à éliminer ce qui est mort, le cacher, le recouvrir, pour le faire ensuite revivre étape par étape. Nous avons réalisé une armature de métal, béton, filasse et bambous. Nous avions envie de travailler avec des matériaux organiques pour rappeler la vie. La famille a ainsi retrouvé l’axe central de sa maison et pu revivre autour. Nous avions bien entendu souhaité que notre travail s’intègre aux lignes de l’architecture. Quant à l’installation sur la plage, c’était un " jeu " reposant sur l’idée d’utiliser les éclats de branches restants de manière à poursuivre l’histoire. Nous avons donc fait une installation éphémère de dix arbres pétrifiés avec la même technique, deux jours avant les grandes marées d’équinoxe, pour rappeler que la nature reprend sa domination sur l’homme, comme sur notre création. Cette " mise en échec volontaire " a suscité des tas de réactions et d’anecdotes que j’ai notées, outre un travail photographique témoin. Les lignes verticales de l’installation dialoguaient avec le paysage très plat.
A. K. : Une autre partie de votre travail est plus intime. Je fais allusion à votre reportage-photo sur la " poupée ". De quoi s’agit-il ? Quelle est votre source d’inspiration ?
A. C. : Adolescente, j’avais été très marquée par une anecdote sur la vie de Kokoschka abandonné par sa maîtresse Alma Mahler. Il avait fait confectionner une poupée de chiffon à sa ressemblance qu’il emmenait partout, par exemple dans sa loge de l’Opéra de Vienne… Plus tard, j’ai eu envie de donner forme au deuil que j’ai vécu : j’ai construit une poupée assez grande, sans visage, une sorte d’homme un peu astral, et pendant deux ans je l’ai installée dans des lieux que la personne que j’ai perdue aimait. J’ai photographié cette poupée dans ces différents lieux. Mais par moments, je ne supporte plus sa présence, alors je la cache, je la détruis puis je la recouds… Je travaille au jour le jour sur les regrets, les envies, les peurs, les fantasmes. Je dispose d’une série de photos que je retravaille au tirage et que je vends déjà à quelques collectionneurs.
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| Anne Kieffer |
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| mis en ligne le 28/11/2001 |
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Dossier
Amélie Chabannes
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